Au revoir, Monsieur Delacroix


La fin de la vie de Delacroix se fit à l’écart de ses contemporains, rue de Furstenberg, en compagnie de sa vieille servante, Jenny Le Guillou. Affaibli par la maladie, il continua de peindre, conservant sa prédilection pour les scènes orientales et les thèmes inspirés par les poètes. La découverte de la mer, à Dieppe, fut pour lui comme le dernier renouvellement de son travail, traitant des flots déchaînés dans des oeuvres au sujet biblique tel Le Christ sur le lac de Génésareth.

Le Christ sur le lac de Génésareth, vers 1863. Huile sur toile, 50 x 61 cm. Gallerie Peter Nathan, Zürich.

En 1859, fatigué par les immanquables critiques que suscitait encore le moindre de ses envois au Salon, il décida de ne plus exposer. Et, dans ce paradoxe au sein duquel il sembla toujours se complaire, lui qui s’était montré si novateur au début de sa carrière, resta à l’écart des grandes oppositions qui animaient désormais le monde de la peinture vivante. Il mourut le 13 août 1863 et son atelier fut, selon les dispositions qu’il avait prises dans son testament, dispersé aux enchères.

Ovide en exil chez les Scytes, 1859. Huile sur toile,
87,6 x 130,2 cm. The National Gallery, Londres.

Les lieux furent par la suite occupés par différents locataires jusqu’au jour où la destruction du site fut envisagé. Mais, notamment grâce à la mobilisation de Paul Signac et Maurice Denis qui participèrent, en 1929, à la constitution de la Société des amis d’Eugène Delacroix, l’ultime atelier du peintre fut préservé. En 1954, la société fit don des lieux à l’État français, en vue de la création du musée qui, en 1971, devint le musée national Eugène Delacroix.

Chasse au lion, 1855. Huile sur toile, 57 x 74 cm.
Nationalmuseum, Stockholm.

Peintre parlant à l’oeil plutôt qu’à la raison, Delacroix fut ainsi l’un des plus grands coloristes français du XIXe siècle, si ce n’est le plus grand. La couleur fut pour lui un moyen d’expression déterminant qui, toujours, eut la préséance sur le dessin, la forme et les détails. Bien que ce fût malgré lui, il s’inscrit incontestablement au coeur du mouvement romantique, au sein de cette Europe qui se nourrissait alors de Goethe, de Scott, de Byron ou encore de Hugo. La nature romantique du peintre, peut-être de manière inconsciente, s’enflamma aux rimes de leurs lignes ; il était possédé par leurs.

Odalisque, 1857. Huile sur bois, 35,5 x 30,5 cm. Collection privée.

Ainsi, tirat- il nombre des sujets de ses toiles dans les oeuvres de ses poètes préférés, non pour les transposer dans des illustrations littérales, mais pour faire s’exprimer, à travers son propre langage pictural, les émotions les plus vives du coeur humain. Et, c’est généralement dans les rapports entre plusieurs personnages, en d’autres termes dans le drame, que Delacroix trouvait l’expression naturelle et saisissante de ses idées. Dès lors, son OEuvre apparaît, comme un immense poème polymorphe, à la fois lyrique et dramatique, sur les passions violentes et meurtrières qui, toujours, fascinent, dominent et déchirent l’humanité.

Huile sur toile, 64,5 x 81 cm. Musée du Louvre, Paris.

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Bikini Story

The beginning of a new millennium – let alone a new century – simply demands a quick but thorough look back at the past hundred years. Different outline sketches of the history of the twentieth century might all too quickly resort to headline-style formulae about “a century of war and terrorism”, “a century of barbarism”, and omit any mention of a great number of events and triumphs that should be rightfully regarded as entirely positive.

Photo of Coney Island at the beginning of the 20th century. The holiday resort regarded by some as “Sodom by the Sea” seems to be living up to its reputation as these five ladies lift their skirts in the style of a dubious rendition of the French can-can. They are wearing swimming costumes that cover the entire body with the exception of the arms. It is interesting to note how many layers of material are involved. Over a woollen body-stocking a short pair of trunks is held in place by straps at the thighs; on top of which is the bathing costume proper. The Rubenesque proportions of the carefree dancing girls are typical of their time.

These might seem to have been of secondary significance in relation to more sombre events, but they certainly cannot be excluded if our historical round-up of a hundred years is to retain its proper balance, if it is to be truly historical, and not be reduced to checklists of damage and destruction, of wars and disasters alike and their cost of lives and property, of the numbers of casualties, and of the people, places, and things that are now as if they had never been. Made possible by the decline of prudish Christianity, the return of the human body to a status in which it could once more be looked at and admired is surely one of these positive events.


Golden orange bikini of Pain de sucre, 1990. Model: Sonia, Fam agency, Paris. Photo: Delavigne.

The process of liberalisation began at the end of World War II and eventually extended across the entire Western world. It was paralleled by moralising court judgments and injunctions against it, many of them relying on ancient laws well overdue for repeal – and was decisively assisted by the invention of the bikini. Measurement of the effect of this new culture of the body has, itself, become a basis of scientific theory. It is often a level of “dress formality” that represents a means of establishing precisely where on the equivalent scale of personal liberties a given society has reached. In another sense, dress formality (or the lack of it) is no more than a very old – and very elementary – method of communication between people.



Another photo from the beginning of the 20th century shows the American holiday resort of Coney Island and a group of happy bathers. The women are wearing swimsuits that resemble nightshirts. Most often deep blue with white stripes (a colour scheme that was widely used, especially in beach costumes for boys) in spirals, vertical lines or horizontal hoops. Such costumes extended down to the calves of the legs.

Besides indicating class, rank, and social status, clothes since the 1960s have also had ideological implications. It is interesting in this regard that even something that bears no resemblance at all to an official uniform may, nonetheless, become the equivalent of a uniform for one group or another. At the head of such revolutionary sartorial tendencies – with one or two scandals to celebrate its birth, and one or two outbursts of moral outrage to celebrate its coming of age – proudly stands the bikini. Another aspect of the upheavals since 1945 may be grasped all the better in the light of the words “consumer demand and mass communications” used to betoken the totality of social activities. A history lesson on the bikini would at once point out the importance of the combination of saleable goods and the benefits of advertising following World War II.

Jenna Pietersen on the beach with a Canail bikini of Pain de sucre. Photo: Éric Deniset, 2009.

It should perhaps be recalled that it was during a time of economic depression that the bikini was launched and the cinema re-launched. At the beginning of the 1950s, film directors made a lot of the “almost nude” look of the itty-bitty bathing costume in the hope of attracting even more customers to their auditoriums. The popularity of the films they produced was, in turn, utilized by the designers of bikinis as a showroom to display their latest creations. It was possible to foresee the day of the publicity film-clip which had everything: goods that people wanted, described with attractive enthusiasm, all done artistically.

Jacqueline Maraney (20), secretary, winner of the “Most Beautiful Swimmer” competition on June 26, 1948.

All the same, the spread of “the smallest swimsuit in the world” did not follow solely from the newly liberalized social perception of the human body but relied on the application of that perception to the realm of women’s fashions. Anorexia and other eating disorders, the fanatical pursuit of sport and of bodybuilding, are only the latest manifestations of the changed vision of the human body that began in the 1950s – first as a new freedom, and then, for some, as a new norm that required discipline or constraint.

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1000 Portraits of Genius

Exhibition: The Art of Portraiture in the Louvre Collections

Date: May 30th 2018 – Sep 03rd 2018

Venue: The National Art Center, Tokyo

Since Antiquity, portraits have been commissioned to represent important people, figures, heroes, and gods. Over time, this artistic genre has evolved from the embellished Greek marble sculptures to contemporary paintings, photography and abstract works. While the specific aesthetic style of the portrait often varies over time, the main purpose of portraiture has remained consistent-to depict the personality, characteristics or essence of a person or important figure by using the face as the dominant feature of the composition.

The Seated Scribe, Serapeum, Saqqara, Egyptian, Old Kingdom, 4th Dynasty, c. 2620-2500 B.C.E. Painted limestone statue, inlaid eyes: rock crystal, magnesite (magnesium carbonate), copper-arsenic alloy, nipples made of wood, height: 53.7 x 44 x 35 cm. Musée du Louvre, Paris.

The first known portraits can be traced back to prehistoric times (c. 30,000 B.C.E.) when men reproduced the outlines of their shadows as an attempt to preserve their memory in times of absence. Over time these depictions evolved into monochrome representations with simple lines and shapes, which now can be compared to the contemporary “portrayals” and abstract forms created by modern artists such as Pablo Picasso and Henri Matisse.

Christ Pantocrator, 1148. Mosaic. Cefalu Cathedral, Sicily. Byzantine.

This collective work attempts to create a comprehensive outline of the history of portraiture illustrated in both painting and sculpture. In the hierarchy of art theory, the portrait was initially viewed as inferior compared to history painting but superior to still life and other genre paintings. Throughout the history of art, theorists have occasionally been skeptical or critical regarding the issue of resemblance to the sitter, implying that the artist often portrays his or idealization of the subject. Despite this, the immense number of surviving portraits suggests that portraiture was nonetheless a popular request by those responsible for commissioning artworks across the artistic timeline.

Sandro Botticelli (1445-1510), Italian, Portrait of a Man with a Medal of Cosimo the Elder, c. 1475. Tempera on wood and gilded stucco, 57.5 x 44 cm. Galleria degli Uffizi, Florence.

Portraiture is often overshadowed by other styles and genres of art. Art that qualifies as narrative painting or sculpture is almost always more appreciated amongst the masses than the black and white portrait of a political figure or famous artist. Perhaps this occurs because people assume that a portrait does not directly appeal to the imagination or tell a particular story. The differences between a portrait and a narrative piece of art can be compared to that of a novel and a biography. The first focuses predominantly on plot and action, while the latter is more concerned with the development and analysis of a specific individual.

Johannes Vermeer (1632-1675), Dutch, Girl with a Pearl Earring, c. 1665. Oil on canvas, 44.5 x 39 cm. Mauritshuis, The Hague. Classicism.

Therefore a biography could be considered flat in comparison to a novel that is full of dramatic scenes. However, depending on the nature of the writing itself a biography can be just as fascinating and compelling as a novel. Evidently, in the same respect, a portrait that has been painted in such an exemplary and skillful manner can be just as insightful as an illustration of a particular myth or story.

Jacques-Louis David (1748-1825), French, Napoleon Crossing the Alps at the St. Bernard Pass, c. 1800. Oil on canvas, 260 x 221 cm. Musée National du Château Malmaison, Rueil-Malmaison. Neoclassicism.

Knowing some background information regarding the identity of the sitter often impacts the accessibility of the portrait, because the spectator instantly recognises the subject and can, therefore, compare their understanding of the person with the particular representation.

Paul Delvaux (1897-1994), Belgian, Madame Pollet, 1945. Oil on canvas, 100 x 80 cm. Fondation Paul Delvaux, Saint-Idesbald. Surrealism.

But even the portrait of an “unknown” subject can be so charged with meaning and depth that the visitor cannot help but be intrigued. A great portrait artist can illustrate a story so effectively that sometimes a precise title is not even necessary. Therefore, Titian‘s (Tiziano Vecelli) Man with the Glove, Rembrandt’s (Harmenszoon van Rijn) Portrait of a Man located in the Metropolitan Museum of Art, and Diego Velasquez’s Lady with the Fan may appeal to us even more powerfully than many of the identified portraits by these same masters.

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Art Nouveau

Exhibition: Mucha and the others – Treasures of Art Nouveau

Date: Nov. 25, 2017 – Mar. 25, 2018

Venue: Hall No. 3, 3rd Floor, Guangdong Museum

Art Nouveau was confirmed as a trend in 1900 as a result of the Universal Exposition, which proclaimed the movement’s quasi-universal victory.

Art Nouveau meant marvels of joaillerie, bijouterie, silver, glass, mosaics and ceramics. In the beginning, Art Nouveau was produced by architects and decorators returning to their roots in national traditions (or who simply wished to remain faithful to the same), who were able to derive magnificent and delightful new variations from old domestic themes that had been more or less forgotten.

Enter a captioEmile Gallé, Orchid Vase.
Glass with inserted ornaments and relief.
Private collection.

Art Nouveau was also the work of French architects like Paul Sédille and Jean-Camille Formigé, who (on the heels of their predecessors Henri Labrouste and Emile Vaudremer) eagerly combined novelty with talent, taste, and ingenuity and were able to introduce ornamental iron and ceramic work to the visible structural skeleton of modern construction and homes.

Art Nouveau was the eccentric Barcelona of Gaudí (although notably absent from the 1900 Universal Exposition), which provided Spain such a colourful and appropriate image.

Antoni Gaudí, Dressing Table, c. 1895. Wood.
Güell family collection, Barcelona.

Art Nouveau was the work of English, Belgian and American architects, subject neither to classical principles or the imitation of Greek and Italian models, but deeply and completely committed to modern life, who created a solemn, refined style that was not always faithfully copied by their imitators, work that was new and original and usually excellent: a youthful and lively architecture that truly represented their respective countries and time.

Victor Horta, Solvay House, view from main salon, 1895. Brussels.
© 2007 – Victor Horta/Droits SOFAM – Belgique

Art Nouveau meant pastel-coloured wallpaper, tapestries,10 and fabrics that made French interiors sing with exquisite harmonies and French walls burst forth with delightful new flora and fauna.

Art Nouveau appeared in the form of illustrated books, such as those decorated by Eugène Grasset, Alphonse-Etienne Dinet, James Tissot, Maurice Leloir, and Gaston de Latenay, in France; Morris and Crane, among others, in England; German artists in Berlin and Munich; and Russian artists in Moscow.

Among a few masters in France, England, and the United States, Art Nouveau was the art of bookbinding.

Art Nouveau was the art of the poster, because posters were needed during this era of insistent advertising. Of course, we refer to the poster as created by Jules Chéret, such as it was and continues to be interpreted after him in England, the United States, Belgium, and France by many exceptional artists with imaginative flair: posters displaying delightful whims of colour, harmony, and line, sometimes exhibiting grace and beauty, and posters displaying pyrotechnics, razzle-dazzle, and the use of harsh and brilliant colours.

Eugène Grasset, Salon des Cent, 1894.
Print for a colour poster. Victor and Gretha Arwas collection.

Art Nouveau was the printmaking of Henri Rivière, respected interpreter of the French and Parisian landscape. In the simplicity of his images, Rivière sometimes applied more truth and more genuine and moving poetry than was available in works of the most famous classical masters, and his wondrous rendering, perfect colour, and eloquent Impressionism, evoke and even surpass the very Japanese works that inspired him.

Gustav Gurschner, Nautilus Lamp, 1899.
Bronze and nautilus shell. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond.

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盖尔(Emile Gallé):时光的脆弱性

展览:热情地凝视日本艺术:Emile Gallé作品中的日本主义


地点:北泽美术馆,Kitazawa Museum of Art


十九世纪末,西欧的装饰艺术经历了一次伟大的重生和复兴,艺术重心转向了模仿自然。事实上,在19世纪60年代,重要的科学著作(Haeckel, Kommode, Primeldt等著)出版,提供了新的艺术形式,并引导它走向现代性的道路。同时,日本艺术的品味也开始发展,通过在法国定居的艺术商人Hayashi Tadamasa等人,使西欧能够发现日本的艺术方式。日本艺术是基于对自然的观察,对自然形态的诗意阐释。在十九世纪,科学和艺术呈现出类似的复兴趋势。



这与西欧各国民族的艺术觉醒密切相关。这不再是过去的问题,也不是外国的味道。相反,每个国家都发展了自己的审美。最重要的是,功能性成为艺术的重点,装饰性减少,有用的装饰功能和物体出现在人们面前。这种艺术在本世纪通过各种各样的趋势被禁止:“[本世纪]没有民间艺术。”1900年,Emile Gallé如是说。






1889届巴黎世博会反映了新艺术运动的影响,不仅展示了新艺术运动在各种生产领域的完整形象,也展示了民族主义的发展趋势。新艺术运动于1895在法国兴起。同年十二月,德国血统法国国籍的艺术商人Siegfried Bing,开辟了一个画廊完全致力于新艺术运动,并在新艺术运动的传播中发挥了重要作用。



在装饰艺术领域,一位法国南锡出生的玻璃艺术家、木匠和陶艺家Émile Gallé(1846-1904),以他的新艺术风格艺术作品在十年间声名大噪。1877年,他将自己对植物学的热爱融入了他父亲的陶器和玻璃器皿贸易中。他的灵感来源于自然和他收集的日本艺术家的作品。他开发了新技术,申请专利,并指导了发展过程中的各种步骤,在他的工作室中,留下了工业革命的遗产。在1889年多的世博会期间,Gallé获得了三项奖项。然后他获得了来自评论家Roger Marx的赞扬。

Hen terrine,1880年,Faience。黄色薄片,白锡,釉面,高度:16厘米,宽:27厘米,深:18厘米。布鲁塞尔艺术博物馆。


在1901,与Victor Prouvé(1858—1943),Louis Majorelle(1859-1926)和Eugène Vallin(1855-1922)一道,Émile Gallé建立了工业艺术联盟,也称为南锡学派。他们的目标是消除学科间的分离:经验和经验不足的艺术家之间不再存在区别。自然是他们审美的基础,通过花和植物的创造出来。新艺术运动于1900年前后达到顶峰后,但很快就从艺术世界消失了。Art Nouveau是一种奢侈风格,难以大规模复制。1902年都灵第一届现代装饰艺术展表明,一场新的艺术运动已经萌芽,那就是Art Deco.


Tout ce qui peut être imaginé est réel

Exposition: Guernica

Date: du 27 mars au 29 juillet 2018

Lieu: Fondation Canal de Isabel II, Madrid. Musée national Picasso | Paris, France

PAIN ET COMPOTIER AUX FRUITS SUR UNE TABLE, 1908-1909 Huile sur toile, 163,7 x 132,1 cm Kunstmuseum Basel, Bâle

Bien que depuis son enfance Picasso menât, selon sa propre expression, une « vie de peintre » et que pendant quatre-vingts ans, il s’exprimât justement dans les arts plastiques de par l’essence même de son génie, il diffère de ce qu’on entend généralement par la notion d’« artiste-peintre ». Peut-être serait-il plus exact de le considérer comme « artiste-poète », car le lyrisme, une mentalité entiè- rement affranchie de tout ce qui est prosaïque et ordinaire, et le don de transformer métaphoriquement la réalité sont tout aussi propres à sa vision plastique qu’ils le sont au monde imagé d’un poète.

Le vieux juif, 1903 Huile sur toile, 125 x 92 cm. Musée Pouchkine, Moscou

D’après un témoignage de Pierre Daix, Picasso lui- même « s’est toujours considéré comme un poète qui s’exprimait plus volontiers par des dessins, des peintures et des sculptures ».1 En fut-il toujours ainsi ? Une précision est nécessaire. Pour ce qui est des années 1930, lorsqu’il se met à composer des vers, et puis des années 1940 et 1950, quand il fait des pièces de théâtre, cela va de soi. Mais ce qui est hors de doute, c’est que Picasso fut toujours, dès le début de sa carrière, « peintre parmi les poètes, poète parmi les peintres ».

La Coiffure, 1906 Huile sur toile, 174.9 x 99.7 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York

Picasso éprouvait un impérieux besoin de poésie, alors que lui-même possédait un charme attractif pour les poètes. Lors de sa première rencontre avec Picasso, Apollinaire fut frappé par la façon fine et judicieuse avec laquelle le jeune Espagnol saisissait, et cela par-delà la « barrière lexicale », les qualités des poésies récitées. Sans craindre d’exagérer, on peut dire que si les contacts de Picasso avec les poètes tels que Jacob, Apollinaire, Salmon, Cocteau, Reverdy, ou encore, Éluard, ont marqué successi- vement chacune des grandes périodes de son art, ce dernier a considérablement influencé, comme important facteur novateur, la poésie française (mais pas seulement) du XXe siècle.

LES DEMOISELLES DÊAVIGNON, 1907 Huile sur toile, 243.9 x 233.7 cm Musée d’Art Moderne, New York

Considérer l’art de Picasso, tellement visuel, spectacu- laire et, à la fois tellement aveuglant, obscur et énigma- tique, comme la création d’un poète, la propre attitude de l’artiste nous y invite. Ne disait-il pas : « Après tout, tous les arts sont les mêmes ; vous pouvez écrire un tableau avec des mots tout comme vous pouvez peindre les sensations dans un poème. »3 Ailleurs, il disait même : « Si j’étais né Chinois, je n’aurais pas été peintre, mais bien écrivain. J’aurais écrit mes tableaux. » Pourtant, Picasso est né Espagnol et a commencé à dessiner, dit-on, avant qu’il n’ait appris à parler. Dès son plus jeune âge, il éprouvait un intérêt inconscient pour les outils de travail du peintre ; tout petit, il pouvait des heures entières tracer sur une feuille de papier des spirales dont le sens n’était compréhen- sible que par lui seul, sans que, pour autant, elles en fussent privées ; étranger aux jeux de ses camarades, il ébauchait sur le sable ses premiers tableaux. Cette précoce manifestation de la vocation présageait un don extraordinaire.

DEUX FEMMES COURANT SUR LA PLAGE, 1922 Gouache sur contreplaqué, 32,5 x 41,1 cm Musée Picasso Paris, Paris

La toute première phase de la vie, préverbale et préconsciente, se passe sans dates ni faits : on est comme dans un demi-sommeil, au gré des rythmes tant inhérents à l’organisme que de ceux qui viennent de l’extérieur, charnels et sensoriels. La pulsation du sang et la respiration, la chaude caresse des mains, le balancement du berceau, l’intonation des voix, voilà ce qui en constitue alors le contenu. Puis, tout à coup, la mémoire s’éveille, et deux yeux noirs suivent le déplacement des objets dans l’espace, prennent possession des choses désirées, expriment des réactions émotionnelles.

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Alles, was du dir vorstellen kannst, ist real

Ausstellung: Guernica

Datum: 27. März – 29. Juli 2018

Veranstaltungsort: Stiftung Canal de Isabel II, Madrid. Musée national Picasso | Paris, Frankreich

Brot und Obstteller auf einem Tisch Öl auf Leinwand, 163.7 x 132.1 cm Kunstmuseum Basel, Basel

Obwohl Picasso von Kindheit an das Leben eines Malers führte, wie er selbst es nannte, und obwohl er sich im Laufe von achtzig Jahren ununterbrochen in den Bildenden Künsten ausdrückte, unterscheidet er sich dem Wesen seines schöpferischen Genies nach von dem, was man gewöhnlich unter einem Künstler-Maler versteht. Es wäre vielleicht am richtigsten, ihn als Maler-Dichter zu betrachten, weil die lyrische Stimmung, das von der Alltäglichkeit befreite Bewusstsein und die Gabe der metaphorischen Verwandlung der Realität seinem plastischen Sehen durchaus nicht weniger eigen sind als dem bildhaften Denken des Dichters.

Der alte Jude, 1903 Öl auf Leinwand, 125 x 92 cm. Pushkin Museum, Moscow

Picasso, nach dem Zeugnis von Pierre Daix, „empfand sich selbst als Poeten, der dazu neigte, sich in Zeichnungen, Gemälden und Skulpturen zu äußern“. Empfand er sich immer so? Hier ist eine Präzisierung nötig. Ganz bestimmt in den dreißiger Jahren, als er sich dem Verfassen von Versen zuwandte und dann in den vierziger und fünfziger Jahren sogar Bühnenstücke schrieb. Es besteht kein Zweifel, dass Picasso immer, von Anfang an, „Maler unter Dichtern, Dichter unter Malern war“.

La Coiffure, 1906 Öl auf Leinwand, 174.9 x 99.7 cm. The Metropolitan Museum of Art, New York

Picasso empfand einen starken Hang zur Poesie und war so auch selbst für die Dichter anziehend. Guillaume Apollinaire war bei ihrer Bekanntschaft erstaunt, wie genau der junge Spanier die Qualität rezitierter Gedichte „über die lexikalische Barriere“ hinaus erfühlte. Ohne Übertreibung kann man sagen, dass die Nähe zu Dichtern wie Max Jacob, Guillaume Apollinaire, André Salmon, Jean Cocteau, Paul Éluard ihre Spuren in jeder wesentlichen Periode seines Schaffens hinterließ, und das Schaffen Picassos selbst stellte sich wiederum als eine einflussreiche Kraft in der französischen und nicht nur der französischen Dichtung des 20. Jahrhunderts dar.

LES DEMOISELLES DÊAVIGNON, 1907 Öl auf Leinwand, 243.9 x 233.7 cm The Museum of Modern Art, New York

Die Kunst Picassos, die visuell so unverkennbar und manchmal verwirrend dunkel und rätselhaft ist, auch als dichterische Schöpfung zu begreifen, dazu fordert die Einstellung des Künstlers selbst auf. Er sagte: „Diese Künste sind schließlich dasselbe; du kannst ein Bild mit Worten genauso schreiben, wie du deine Empfindungen im Gedicht malen kannst.“ Er hatte sogar solch einen Gedanken: „Wäre ich als Chinese zur Welt gekommen, so wäre ich nicht Maler, sondern Schriftsteller geworden. Ich hätte meine Bilder in Worten gemalt.“

ZWEI FRAUEN, DIE AM STRAND LAUFEN, 1922 Gouache auf Sperrholz, 32,5 x 41,1 cm Musée Picasso Paris, Paris

Picasso aber kam als Spanier zur Welt und begann, wie man sagt, früher zu malen als zu sprechen. Bereits als kleines Kind empfand er einen unbewussten Trieb zu den Utensilien der Maler. Stundenlang konnte er in glücklicher Versunkenheit auf dem Papier nur ihm verständliche, aber ganz und gar nicht sinnlose Spirallinien ausführen, oder er zeichnete, fern von den spielenden Gleichaltrigen, seine ersten Bilder in den Sand. Eine so frühe Bekundung ließ eine erstaunliche Gabe vorausahnen.

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